Una corriente que combina electroclash, hyperpop, EDM de la década de 2010, cloud rap y Jersey club comenzó a tomar forma dentro de la música electrónica. El término utilizado para identificarla es hyperclash, una etiqueta propuesta por Pitchfork para explicar el vínculo sonoro y visual entre artistas que hasta ahora circulaban sin pertenecer a un género definido.
Durante los últimos años, proyectos como Snow Strippers, Frost Children, MGNA Crrrta y Fcukers comenzaron a compartir espacios en playlists, festivales y comunidades digitales. Aunque sus propuestas no son idénticas, coinciden en el uso de sintetizadores saturados, bajos comprimidos, voces procesadas, ritmos cercanos a los 130 BPM y referencias a la cultura electrónica de comienzos de siglo.
La periodista Anna Gaca propuso el término hyperclash en un reportaje publicado por Pitchfork el 20 de agosto de 2026. La denominación busca describir una reinterpretación del electroclash mediante herramientas y referencias acumuladas durante las últimas dos décadas.
El hyperclash no cuenta, por ahora, con una estructura formal, un manifiesto ni un circuito exclusivo. Es una categoría periodística utilizada para relacionar proyectos que mezclan música de club, pop, rap y producción digital.
El regreso del electroclash
El punto de partida se encuentra en el electroclash, movimiento surgido durante la década de 1990 y expandido a comienzos de los 2000. Artistas como Fischerspooner, Peaches, Miss Kittin, Chicks on Speed y Adult. combinaron música electrónica, punk, performance, moda y una lectura irónica de la cultura pop.
En 2001, el DJ y productor Larry Tee organizó el Electroclash Festival en Williamsburg, Nueva York. El evento ayudó a establecer el nombre del movimiento y a reunir propuestas que hasta entonces eran identificadas por separado.
Dos décadas después, parte de esa estructura reaparece modificada por el hyperpop, el EDM de festivales, el digicore, el cloud rap y los ritmos del Jersey club. La nueva generación no replica el electroclash: utiliza sus códigos para construir música adaptada al consumo digital.
Snow Strippers aparece como uno de los proyectos vinculados con mayor frecuencia a esta corriente. El dúo formado por Tatiana Schwaninger y Graham Perez combina bases electrónicas, voces procesadas y referencias al witch house, el electroclash y el pop de internet.
Frost Children, formado por los hermanos Angel y Lulu Prost, trabaja desde una mezcla de hyperpop, electrónica, punk y performance. MGNA Crrrta incorpora producción digital, estructuras de club y una identidad construida alrededor de la saturación sonora.
En la misma conversación aparecen Fcukers, Slayyyter, Ninajirachi, Six Sex, Cannelle, Suzy Sheer, Joey Cash y Brothel in Belize. La lista no representa una escena cerrada. Funciona como un mapa de artistas que comparten referencias, públicos y plataformas de circulación.
Una estética nacida en internet
La imagen ocupa un lugar central dentro del hyperclash. Videos de baja resolución, cámaras de vigilancia, flash directo, errores digitales, fotografías comprimidas y referencias a Myspace y Tumblr acompañan los lanzamientos.
Esta estética recupera una etapa de internet anterior a la producción permanente de contenido en alta definición. La pérdida de calidad, el ruido y la exposición se convierten en decisiones visuales.
El resultado conecta con una generación que descubre el pasado a través de archivos, algoritmos y publicaciones fuera de contexto. Para este público, Daft Punk, Crystal Castles, Drain Gang, Charli xcx y la cultura EDM pueden formar parte de una misma línea de referencias.
La expansión del universo de BRAT, publicado por Charli xcx en 2024, también contribuyó a trasladar elementos de la cultura de club hacia el pop. Su producción, estética y campaña acercaron a nuevos públicos a sonidos electrónicos asociados con décadas anteriores.
El hyperclash recoge parte de ese movimiento, pero lo lleva hacia una producción más saturada y menos definida por las estructuras tradicionales del pop. Las voces pueden perderse dentro de la mezcla, mientras los ritmos incorporan interrupciones, cambios y capas de distorsión.
El término todavía genera preguntas. Los artistas asociados no necesariamente se identifican como parte de un movimiento y algunos ya habían sido clasificados dentro del hyperpop, el electroclash, el witch house o el dance pop.
Esta discusión ha acompañado a distintos momentos de la música electrónica. House, techno, electroclash y hyperpop fueron nombres utilizados para ordenar escenas que ya existían antes de recibir una definición común.
El hyperclash se encuentra en esa etapa: existe una coincidencia entre sonidos, imágenes y audiencias, pero aún no hay consenso sobre sus límites.
La disputa por la nueva generación
El crecimiento del hard techno convirtió la velocidad, la distorsión y la producción física en códigos reconocibles para una audiencia masiva. El hyperclash utiliza algunos de esos recursos, aunque los conecta con el pop, la moda y la cultura digital.
No se trata necesariamente de un reemplazo. Ambas corrientes responden a una generación expuesta a estímulos rápidos, contenidos fragmentados y referencias musicales que antes pertenecían a circuitos separados.
La diferencia está en el lugar desde donde se construyen. El hard techno conserva su relación con la rave y el circuito de clubes. El hyperclash se mueve entre conciertos, festivales alternativos, playlists, moda y plataformas sociales.
Por ahora, el término intenta nombrar algo que ya estaba ocurriendo: una generación está reutilizando la electrónica de los 2000, los excesos del EDM y el lenguaje del hyperpop para crear su propia interpretación de la pista de baile.
La pregunta pendiente es si el hyperclash llegará a consolidarse como género o quedará registrado como la etiqueta que permitió identificar un momento específico de la cultura digital.
Fuente principal: Pitchfork — “Hyperclash: The Seamy New Sound of Underground Dance Pop”
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